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lunes, 30 de septiembre de 2013

HUBERT DE GIVENCHY

El Condé Hubert James Marcel Taffin de Givenchy (su nombre completo y título nobiliario) Hubert Taffin de Givenchy, (Beauvais, Oise, 21 de febrero de 1927). Es un destacado diseñador de moda francés.

Primeros años de vida
Siendo el hijo menor de Lucien Taffin de Givenchy (1888-1930), marqués de Givenchy, y su esposa, la ex Béatrice ("Sissi") Badin (1888-1976).

La familia Taffin de Givenchy, que tiene sus raíces en Venecia, [[Italia] (el apellido original era Taffini), fue ennoblecido en 1713, en la cual el jefe de la familia se convirtió en marqués de Givenchy.

Después de la muerte de su padre de influenza en 1930, el futuro diseñador de moda y su hermano mayor, Jean-Claude de Givenchy (1925-2009), que heredó el marquesado de la familia y, finalmente, se convirtió en el presidente de Parfums Givenchy, fueron criados por su madre y su abuela materna, Marguerite Dieterle Badin (1853-1940), viuda de Julio Badin (1843-1919), un artista que era el dueño y director de la histórica Fábrica de Gobelinos y la fábrica de tapices de Beauvais. Profesiones artísticas corrió en la familia extendida Badin. El bisabuelo materno de Givenchy, Jules Dieterle, fue un escenógrafo que también creó diseños para la fábrica de Beauvais, que incluye un conjunto de 13 diseños para el Palacio del Elíseo. Uno de su tatarabuelo, también creo unos conjuntos, también diseñadas para la Ópera de París.

Vida artística y laboral
Contrariamente a lo que su familia quería, Givenchy no se convirtió en un abogado, y asistió a la Escuela de Bellas Artes de París y empezó en el mundo de la moda en las casas de Lucien Lelong, Piguet, Jacques Fath y Elsa Schiaparelli hasta que abrió su propia firma, la "Casa de Modas Givenchy", desde ahí fue conocido públicamente solo como "Hubert de Givenchy", con el apoyo del español Cristóbal Balenciaga.

En la década de 1950 realizó trajes para la actriz Audrey Hepburn que ejercieron una gran influencia y en los que todavía se inspiran muchos diseñadores. Otras clientas destacadas fueron las actrices Liz Taylor y Jean Seberg. Givenchy vistió a otras varias famosas, como Jacqueline Kennedy, Grace Kelly y a la duquesa de Windsor. En 1988 vendió la firma, pero siguió dirigiéndola hasta 1996, año en que se retiró.

La admiración de Givenchy por la figura de Cristóbal Balenciaga impulsó el proyecto de construcción de un museo dedicado a la obra del modisto vasco (Museo Cristóbal Balenciaga, en Guetaria) y la constitución de la fundación correspondiente, de la que es presidente fundador. Su compromiso con el museo le llevó a donar su colección particular de "balenciagas" a la entidad. En 2011 fue galardonado por el gobierno español con la Orden de las Artes y las Letras.

KUNTA KINTE

Kunta Kinte es el personaje central de la novela Raíces de Alex Haley, y de la serie de televisión del mismo nombre. La novela está basada en otro libro llamado El Africano de Harold Courlander. Kunta Kinte nació en el 1750 siendo el primogénito de los cuatro hijos de Omoro y Binta Kebba. Kunta era un musulmán de la etnia Mandinga de la aldea de Juffure en Gambia.

Kunta Kinte fue capturado por cuatro hombres en 1767 cuando buscaba madera y sobreviviendo a la travesía por el Atlántico fue llevado como esclavo a Annapolis, en el estado de Maryland (Estados Unidos) y después vendido a John Reynolds para su plantación en Virginia siendo su nuevo nombre Toby Waller. Por sus sucesivos intentos de fuga acaba con un pie cortado y vendido a William Reynolds en cuya plantación conoce a Belle y se casa con ella y más tarde tiene una hija llamada Kizzy.

En la serie de televisión el personaje, en su etapa joven, fue interpretado por LeVar Burton, y ya de anciano por John Amos.

Monumento
Hay un monumento a Kunta Kinte en Annapolis. Es uno de los pocos monumentos en el mundo dedicados a los esclavos y cimarrones africanos. Hay un ejemplo en Brasil, con un monumento dedicado a Zumbi. Otro en Barbados, dedicado a Bussa. En Santo Domingo, hay uno dedicado a Sebastian Lemba. En Colombia, uno dedicado a Benkos Biohó, y en México, hay uno dedicado a Ñanga o Gaspar Yanga, fundador de Yanga, Veracruz, el primer pueblo de esclavos liberados en las Américas (fundado en 1570, reconocido por la Corona Española en 1610). En 1981, cuarenta y ocho horas después de su instalación, la placa de bronce original fue robada. Quedó una carta en su lugar que decía, "patrocinado por el Ku Klux Klan". Nunca se recuperó y fue remplazada dos meses después con fondos de los ciudadanos de Annapolis. La segunda placa también fue robada.

WALLIS SIMPSON

Fue un escándalo que podría haber derribado a la monarquía. El rey británico renunció a su trono para una divorciada estadounidense. ¿Qué fue lo que la señora Simpson había?

Wallis nació Wallis Warfield, en una familia americana distinguida.

En 1916 se casó con el teniente Earl Winfield Spencer, un piloto de la Marina de los EE.UU.. Spencer fue desarrollar un problema con la bebida y el matrimonio pronto se convirtió en abusivo. Wallis, finalmente lo dejó y la pareja se divorció en 1927.

Sólo seis meses después de su divorcio, se casó con Ernest Wallis Simpson y se trasladó a Londres. Luego de establecerse en Londres, la vida social, Wallis conoció al príncipe Edward en una fiesta de moda y hubo una atracción inmediata.

Mientras que muchos Wallis culpa de seducir al príncipe, parece probable que ella misma se deja seducir por el glamour y el poder de estar cerca de la heredera del trono de Gran Bretaña. En un crucero, Wallis recordó, ella y el Príncipe "cruzó la línea que marca la frontera indefinible entre la amistad y el amor".

El 20 de enero de 1936, el rey Jorge V, el padre de Edward, murió, y Edward se convirtió en el rey Eduardo VIII. El Gobierno y el pueblo de Gran Bretaña tenían grandes esperanzas de Edward, pero su obsesión por Wallis lo distrajeron de sus funciones estatales. Él enajenó cortesanos de palacio y su enfoque poco ortodoxo para asuntos gubernamentales causaron preocupación entre los ministros.

Algunos afirmaban que Wallis puede ser un espía alemán, entregando papeles de Estado al gobierno alemán. Algunos historiadores siguen considerando que ella podría haber tenido conexiones allí, dado simpatías de Edward hacia el régimen nazi en la década de 1930.

El matrimonio con una mujer divorciada era un impossibilty constitucional, por lo que el rey Eduardo se encontró con tres opciones: renunciar a Wallis, mantenga Wallis y enfrentarse a la renuncia de todo el gobierno, o abdicar. Él eligió la última opción.

Su hermano Albert, segundo en la línea al trono, se convirtió en el rey Jorge VI, y otorgado a Eduardo el título de duque de Windsor.

La señora Wallis Simpson demandó el divorcio de Ernest Simpson y Wallis y Edward se casaron en una pequeña ceremonia el 3 de junio de 1937. Rechazado y exiliados de Gran Bretaña, que vivieron la mayor parte de su vida en Francia.

Wallis, duquesa de Windsor nacida Bessie Wallis Warfield; más tarde, por matrimonio, fue llamada Wallis Spencer y después Wallis Simpson (19 de junio de 1896 – 24 de abril de 1986), fue una socialite estadounidense dos veces divorciada que se casó en terceras nupcias el 3 de junio de 1937 con el príncipe Eduardo, duque de Windsor, quien antes de su matrimonio había sido Eduardo VIII, rey del Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda del Norte y emperador de la India.

El padre de Wallis murió poco después de su nacimiento y junto a su madre viuda recibió el apoyo de algunos parientes ricos. Su primer matrimonio, con un oficial de la Marina de los Estados Unidos, se caracterizó por varios períodos de separación y finalmente terminó en divorcio. En 1934, durante el transcurso de su segundo matrimonio, supuestamente se convirtió en la amante de Eduardo, entonces príncipe de Gales. Dos años más tarde, después de que muriera Jorge V y ascendiera al trono Eduardo VIII, Wallis se divorció de su segundo marido y Eduardo le propuso matrimonio. El deseo del rey de contraer nupcias con una mujer con dos exmaridos vivos provocó una crisis constitucional en el Reino Unido y sus dominios, que finalmente condujo a su abdicación en diciembre de 1936, para casarse, según sus propias palabras, con «la mujer que amo». Después de la abdicación, el antiguo rey fue nombrado duque de Windsor por su hermano Jorge VI. Eduardo se casó con Wallis seis meses más tarde, después de lo cual fue conocida formalmente como la duquesa de Windsor, sin el tratamiento de Su Alteza Real.

Antes, durante y después de la Segunda Guerra Mundial, muchas personas del gobierno y de la sociedad sospechaban que el duque y la duquesa de Windsor simpatizaban con los nazis. En el transcurso de los años 1950 y 1960, la pareja vivió entre Europa y los Estados Unidos, disfrutando de una vida de ocio como celebridades sociales. Después de la muerte del duque en 1972, la duquesa se recluyó y rara vez volvió a ser vista en público. Su vida privada fue la fuente de múltiples especulaciones y todavía sigue siendo una figura controvertida en la historia británica.

Edward murió en 1972 y Wallis era permanecer en paz hasta su muerte en 1986.

REX HARRISON

Sir Reginald Carey Harrison, (n. 5 de marzo de 1908 - m. 2 de junio de 1990), conocido como Rex Harrison, fue un actor de teatro y cine británico.

Biografía
Nació en Huyton (Knowsley), paraje que entonces formaba parte de Lancashire, cerca de Liverpool. Se educó en el Liverpool College. Su primera aparición en un escenario se produjo en 1924, con 16 años de edad, en Liverpool. Su carrera se vio interrumpida por la Segunda Guerra Mundial, durante la cual sirvió en la Royal Air Force con el grado de teniente primero.

Apareció en diversos escenarios de Inglaterra, y en Broadway.

Su mayor éxito interpretativo en el cine fue como el profesor Henry Higgins en la película My Fair Lady, adaptación del musical basado en la obra de Bernard Shaw, Pygmalion, donde compartía pantalla junto a Audrey Hepburn. Ambos lograron personajes cargados de fuerza y expresividad, y la labor de Rex Harrison se vio premiada con un Óscar de la Academia. Ya había ganado dos Premios Tony de teatro: el primero en 1949 por Ana de los mil días donde interpretaba al rey Enrique VIII y el segundo en 1957 por la versión teatral de My Fair Lady, cuyo éxito propició la versión en cine.

Otras de sus interpretaciones memorables para la gran pantalla fueron en El fantasma y la Sra. Muir, Doctor Dolittle, The Agony and the Ecstasy (donde encarnaba al papa Julio II, mecenas de Miguel Ángel) y Cleopatra donde componía un magnífico Julio César.

Fue nominado al Óscar en 1964 por Cleopatra y al año siguiente por My Fair Lady, premio que en esta ocasión ganó.

En 1969 rodó una atrevida tragicomedia de temática gay: La escalera, dirigida por Stanley Donen. Con Richard Burton, interpretó a una pareja de peluqueros homosexuales, envueltos en situaciones desagradables al ser acusados de escándalo a la moral. Esta película no pudo estrenarse en España hasta 1976 y tuvo limitada difusión, en parte entorpecida por la viuda de Burton; en 2011 ha sido recuperada.

Estuvo casado 6 veces, según la siguiente cronología:

Colette Thomas -actriz francesa de teatro- (1934-1942), (un hijo, el actor/cantante Noel Harrison)
Lilli Palmer -actriz- (1943-1957), (un hijo, el novelista/guionista Carey Harrison)
Kay Kendall -actriz- (1957-1959)
Rachel Roberts -actriz- (1962-1971)
Elizabeth Harris (1971-1975), (tres hijastros: Damian Harris, Jared Harris y Jamie Harris)
Mercia Tinker (1978-1990)

Honores y muerte
El 25 de julio de 1989, fue nombrado Caballero por la reina Isabel II de Inglaterra en el Palacio de Buckingham, mientras una orquesta interpretaba la música de las canciones de My Fair Lady.

Después de retirarse del mundo del cine en la década de los setenta, continuó su trabajo en Broadway hasta el final de su vida. En 1990, cuando actuaba en la obra El círculo de William Somerset Maugham, se le diagnosticó un cáncer de páncreas del que murió apenas tres semanas más tarde.

Rex Harrison tiene dos estrellas en el Paseo de la fama de Hollywood: una en el 6906 de Hollywood Boulevard por su contribución al mundo del cine y otra en el 6380 Hollywood Boulevard por su contribución a la industria televisiva.

El escritor Seth MacFarlane ha declarado que el personaje de su serie Family Guy, Stewie Griffin está basado en la personalidad de Sir Rex Harrison.

Filmografía
The Citadel (La ciudadela, 1938).
Over the Moon (En la Luna, 1940).
Blithe Spirit (Un espíritu burlón, 1945).
Anna and the King of Siam (Anna y el rey de Siam, 1946).
The Ghost and Mrs. Muir (El fantasma y la Señora Muir, 1947).
The Foxes of Harrow (Débil es la carne, 1947).
The Reluctant Debutante (Mamá nos complica la vida, 1958).
Cleopatra (1963).
The Yellow Rolls-Royce (El Rolls-Royce Amarillo, 1964).
My Fair Lady (1964) -por la que obtuvo un Óscar-.
The Agony and the Ecstasy (El tormento y el éxtasis, 1965).
Doctor Dolittle (El extravagante doctor Dolittle, 1967).
The honey pot (Mujeres en Venecia. 1967)
Staircase (La escalera, 1969).
El príncipe y el mendigo (1977).
Ashanti (1978).
The Love of Four Colonels (El amor de los cuatro coroneles).

Teatro (parcial)
The Admirable Crichton (1988)
French Without Tears
Sweet Aloes
Design for Living
Venus Observed
The Cocktail Party
Bell, Book and Candle
The Fourposter
Anne of the Thousand Days
The Devil's Disciple
The Love of Four Colonels
My Fair Lady
In Praise of Love
Caesar and Cleopatra
Heartbreak House
Enrique IV (Pirandello)
Aren't We All?
The Kingfisher
The Circle

GEORGE CUKOR

George Dewey Cukor (n. Nueva York; 7 de julio de 1899 - f. Los Ángeles, California; 23 de enero de 1983). Director de cine estadounidense. Se lo ha etiquetado como director de actrices, pues supuestamente supo arrancar sus mejores interpretaciones a las actrices que trabajaron con él.

Biografía
Era hijo de unos inmigrantes húngaros judíos. Ya siendo adolescente, mientras estudiaba en el instituto, Cukor se interesó por el Teatro y empezó a participar en diferentes montajes como actor.

Tras su graduación en el De Witt Clinton High School, ingresó durante un año en los Students Army Training Corp. Después, encontró trabajo como técnico en una compañía de teatro de Chicago. Este empleo lo mantuvo durante tres años.

En 1920, concluida esta etapa de formación, Cukor se atrevió a crear su propia compañía teatral en Rochester (Nueva York). La compañía funcionó bien durante siete años y le permitió dar el salto a Broadway. En efecto en 1927, a sus veintiocho años, Cukor empezó a trabajar en Broadway, lo que le permitió entrar en contacto con grandes actrices del momento como Ethel Barrymore o Jeanne Eagles.

En los inicios del cine sonoro, Hollywood empezó a contratar a los profesionales de Broadway. Cukor fue uno de ellos. En 1929, comenzó a trabajar para Hollywood, colaborando con los directores que venían trabajando desde el cine mudo. Su primer encargo fue como director de diálogos en la película River of Romance de Richard Wallace para Paramount Pictures. Repitió como director de diálogos en la célebre Sin novedad en el frente (All Quiet on the Western Front) de Lewis Milestone.

Después empezó lo que sería su carrera como director. Primero, en 1930, como codirector en tres títulos, antes de empezar a dirigir en solitario. Estas películas fueron:

Grumpy (junto con Cyril Gardner).
The Virtuous Sin (junto con Louis J. Gasnier).
The Royal Family of Broadway (De nuevo, junto con Cyril Gardner).
Cukor, en 1932, abandonó la Paramount Pictures, tras el rodaje de Una hora contigo que había codirigido junto a Ernst Lubitsch. Tras abandonar la Paramount, David O. Selznick lo contrató y empezó a trabajar para la RKO. La celebridad llegaría a Cukor en este periodo, pues las películas que dirigió para la RKO obtuvieron éxito tanto de público como de crítica. Llegó a crear un tipo de película muy personal que fue conocida como comedia refinada, en las que la mujer adquiría un carácter fuerte, sexista y cruel con su pareja. Lo de refinada se refería a la ambientación, pues generalmente, los personajes se ubicaban como pertenecientes a las clases altas o profesionales y, por tanto, los decorados, podían responder a tal calificativo.

El protagonismo que adquieren los personajes femenino en el universo de Cukor es la razón por la cual al director se le ha definido como director de actrices, apelativo, que, en vida, no le hacia demasiada gracia. Por otra parte, aunque sus películas lograsen premios, el trabajo de Cukor, en sus inicios, no obtuvo reconocimiento. Se le consideraba un director eficaz pero menor, pues se creía que el mérito de que sus películas obtuvieran buenos resultados estaba motivado por que se trataba, por lo general, de adaptaciones de grandes obras.

Cukor pudo haber sido el director de Lo que el viento se llevó de hecho O. Selznick le puso al mando en 1937 y pasó un año en las labores de preproducción de la películas, incluso, llegó a ensayar con las actrices Vivien Leigh y Olivia de Havilland. No obstante, a Cukor le molestaron ciertos cambios de guion y al protagonista masculino Clark Gable le incomodaba la abierta homosexualidad de Cukor, pues el director, aunque discreto, nunca la ocultó. Ambas razones llevaron a O. Selnick a prescindir de Cukor. No obstante, continuó ayudando en la producción, ya que fue contratado para ensayar con Leigh y Havilland.

Cukor, pese a tal incidente, no tuvo grandes problemas en Hollywood; de hecho, el director contaba con gran cantidad de amigos entre los actores, directores y técnicos que lo visitaban con regularidad. En su casa, se celebraban grandes fiestas a las que estos acudían con asiduidad y, ya que no tenía familia propia, esta casa estaba decorada con las fotos de los que Cukor consideraba sus amigos.

De hecho, Cukor era amigo de sus amigos y fue fiel a los técnicos que intervenían en sus películas. Responsables de sonido, decoradores, directores artísticos, incluso maquilladores o responsables de vestuario solían repetir con Cukor.

La venganza de Cukor fue, como todo lo que el tocaba, refinada. Ese mismo año, 1939 estrenó una película en el que no había ningún papel masculino. Mujeres estuvo protagonizada por Norma Shearer, Joan Crawford, Paulette Goddard y Rosalind Russell. No hubo ningún hombre en el reparto.

Aunque fueron muchas las actrices que trabajaron para Cukor, su musa fue, sin duda Katharine Hepburn. En los cincuenta, fue otra gran actriz Judy Holliday la que proporcionaría a Cukor grandes interpretaciones que convirtieron sus películas en clásicos, como Nacida ayer.

Por esta época, Cukor estrenó Ha nacido una estrella y, a raíz de este momento, compaginó sus peculiares comedias románticas (comedias refinadas) con melodramas de éxito.

Cukor en los 60 empezó a no ser tan regular, no por que decreciera su prestigio, sino que la progresiva desaparición del sistema de estudios hizo que muchas veces, no encontrará un proyecto que le llamase dirigir. Por esa fecha My fair Lady supondría la última gran producción en la que intervendría. Con 65 años, después volvería puntualmente para afrontar determinados proyectos, pero ya no con regularidad. En 1981, Ricas y famosas, fue la última película dirigida por Cukor.

Cukor murió a los 83 años; sorprendentemente, su último deseo fue ser enterrado junto a Francis Howard Goldwyn, viuda de Samuel Goldwyn, de quien dijo, en su testamento, haber estado enamorado toda la vida.

Filmografía
1931- Honor mancillado (Tarnished Lady).
1931 - Girls About Town.
1932 - Una hora contigo (One Hour with You). No acreditado, codirección con Ernst Lubitsch.
1932 - Hollywood al desnudo (What Price Hollywood?).
1932 - Doble sacrificio (A Bill of Divorcement).
1932 - Tentación (Rockabye).
1932 - El reino animal (The Animal Kingdom). No acreditado, codirección con Edward H. Griffith.
1933 - Mujercitas/Las cuatro hermanitas (Little Women).
1933 - Nuestros superiores (Our Betters).
1933 - Cena a las ocho (Dinner at Eight).
1934 - El enemigo público número uno (Manhattan Melodrama). No acreditado, codirección con W. S. Van Dyke
1935 - David Copperfield (The Personal History, Adventures, Experience, & Observation of David Copperfield the Younger).
1935 - No más mujeres (No More Ladies). No acreditado, codirección con Edward H. Griffith
1936 - Romeo y Julieta (Romeo and Juliet).
1936 - La gran aventura de Silvia (Sylvia Scarlett).
1937 - La dama de las camelias (Camille).
1938 - Vivir para gozar (Holiday).
1938 - Volvió el amor (I Met My Love Again). No acreditado, codirección con Joshua Logan y Arthur Ripley
1938 - Las aventuras de Tom Sawyer. (The Adventures of Tom Sawyer). No acreditado, codirección con Norman Taurog, H C. Potter y William A. Wellman
1939 - Zaza.
1939 - Mujeres (The Women).
1939 - Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind). No acreditado, codirección con Victor Fleming y Sam Wood
1940 - Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story).
1940 - Susana y Dios (Susan and God).
1941 - Un rostro de mujer (A Woman's Face).
1941 - Otra vez mío (Two-Faced Woman ).
1942 - Her Cardboard Lover.
1942 - La llama sagrada (Keeper of the flame)
1943 - Resistance and Ohm's Law (Cortometraje documental).
1943 - Te volveré a ver (I'll Be Seeing You). No acreditado, codirección con William Dieterle
1944 - Gaslight (Gaslight).
1944 - Cita en los cielos (Winged Victory).
1947 - Doble vida (A Double Life).
1947 - Desire Me. No acreditado, codirección con George Fitzmaurice, Jack Conway, Mervyn LeRoy y Victor Saville
1949 - La costilla de Adán (Adam's Rib).
1949 - Edward, mi hijo (Edward, My Son).
1950 - Nacida ayer (Born Yesterday.).
1950 - A Life of Her Own.
1951 - The model and the marriage broker.
1952 - Chica para matrimonio (The Marrying Kind).
1952 - La impetuosa (Pat and Mike).
1953 - La actriz (The Actress).
1954 - Ha nacido una estrella (A Star Is Born).
1954 - La rubia fenómeno (It should happen to you).
1956 - Cruce de destinos (Bhowani Junction).
1957 - Las girls (Les Girls).
1957 - Viento salvaje (Wild is the Wind).
1958 - Hot Spell. No acreditado, codirección con Daniel Mann
1960 - El multimillonario (Let’s Make Love).
1960 - Heller in Pink Tights (El pistolero de Cheyenne / Su pecado fue jugar).
1960 - Sueño de amor (Song Without End). No acreditado, codirección con Charles Vidor
1962 - Something's Got to Give. La película quedó inacabada. En 2001 se montaron 34 minutos convirtiéndola en un cortometraje homenaje a Marilyn Monroe.
1962 - Confidencias de mujer (The Chapman Report).
1964 - My Fair Lady (Mi bella dama).
1969 - Justine (Justine). Codirección con Joseph Strick (no acreditado)
1972 - Viajes con mi tía (Travels with My Aunt).
1975 - Love Among the Ruins, telefilme.
1976 - El pájaro azul (The Blue Bird).
1979 - El trigo está verde (The corn is green), telefilme.
1981 - Ricas y famosas (Rich and Famous).

Premios
1934 - Nominación a los Óscar y nominado a la Copa Mussolini en el Festival Internacional de Cine de Venecia por Las cuatro hermanitas.
1935 - Nominado a a la Copa Mussolini en el Festival Internacional de Cine de Venecia por David Coperfield.
1941 - Nominación a los Óscar por Historias de Filadelfia.
1948- Nominación a los Óscar por Doble vida.
1951 - Nominaciones a los Óscars y al León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia por Nacida ayer.
1953 - Nominación en los premios que concede el Gremio de Directores de América por La impetuosa.
1958 - Nominado en los premios que concede el Gremio de Directores de América por Las Girls.
1962 - Nominación al Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín por Viento salvaje.
1966 por My Fair Lady obtuvo el Óscar, el BAFTA y el premio del Gremio de directores de América (premio que compartió con David Hall, su asistente de dirección).
1975 ganó el Emmy al mejor director en Programa Especial drama o Comedia por Love Among the Ruins. Además, por este trabajo, ganó un premio especial otorgado por la Asociación de Críticos cinematográficos de Los Ángeles en 1976.

LOUISE DAHL-WOLFE

Louise Emma Augusta Dahl conocida después de su matrimonio con el nombre de Louise Dahl-Wolfe (nacida el 9 de noviembre de 1895 en San Francisco, California – muerta el 11 de diciembre de 1989) fue una fotógrafa estadounidense, conocida en primer lugar por su trabajo para Harper's Bazaar realizado, comenzando en los años 1930, con la editora de moda Diana Vreeland.

Biografía
Hija de padres noruegos, Louise Dahl-Wolfe era conocida por tomar sus fotos al aire libre, a la luz natural de lugares lejanos, de América del Sur, África, dando nacimiento a lo que se llamará la fotografía de moda «medioambiental».

Se casó con el escultor Meyer Wolfe, que construyó los decorados de un gran número de sus fotografías.

Ella prefería el retrato más que la fotografía de moda que la hizo célebre. Entre los retratos importantes que realizó pueden citarse los de : Mae West, Cecil Beaton, Eudora Welty, W.H. Auden, Christopher Isherwood, Orson Welles, Carson McCullers, Edward Hopper, Colette o Joséphine Baker. Fue ella quien «descubrió» a una adolescente de nombre Lauren Bacall. Tuvo una gran influencia sobre fotógrafos como Irving Penn y Richard Avedon. Uno de sus asistentes fue Milton H. Greene.

domingo, 29 de septiembre de 2013

CECIL BEATON

Cecil Walter Hardy Beaton (Londres, 14 de enero de 1904 - Salisbury, 18 de enero de 1980) fue un diseñador de vestuario y fotógrafo británico.

Tuvo su primera cámara fotográfica a la edad de 11 años, haciendo sus pininos al sacar retratos de sus hermanas. En los años 1920 se convirtió en el fotógrafo oficial de las revistas Vanity Fair y Vogue. Es recordado por sus fotografías de la Segunda Guerra Mundial tomadas en Gran Bretaña y que fueron publicadas en 1942 al otro lado del Atlántico. Después de la guerra diseñó trajes y bastidores para películas como Gigi de 1958 y My Fair Lady de 1964. También fue pintor.

OLIVIA DE HAVILLAND

Olivia Mary de Havilland (n. Tokio, Japón; 1 de julio de 1916) es una actriz estadounidense de origen británico ganadora de dos premios Óscar, y una de las estrellas de Hollywood más admiradas de la década de 1940. Es hermana de la también actriz cinematográfica Joan Fontaine.

Biografía
La hija primogénita de padres británicos, Walter de Havilland, abogado que ejercía en Japón, y Lillian Fontaine, actriz. Su hermana pequeña es la actriz Joan Fontaine, también nacida en Tokio. A causa de una salud debilitada, y tras la separación de sus padres, se traslada con su madre y su hermana a los Estados Unidos, a California, donde cursó sus estudios.

Sus comienzos en el cine
Max Reinhardt se fijó en ella en una representación teatral universitaria, en El sueño de una noche de verano, y que posteriormente la representaría en el Hollywood Bowl. Reindhardt decidió llevarla al cine, y la dirigirá en la película homónima, para la Warner Brothers, en el año 1935.

A partir de este momento, formó parte de un equipo consolidado en la Warner, con Errol Flynn como pareja y Michael Curtiz como director. Junto con Errol Flynn protagonizó siete películas, en las que, aunque siendo de temática muy distinta, ella siempre representaba el mismo personaje, de amada del aventurero, fiel seguidora del héroe. Algunas de estas películas fueron El capitán Blood (1935), La carga de la brigada ligera (1936), Robin de los bosques (1938) o Dodge, ciudad sin ley (1939).

La década de los 40
Los años 1940 fueron los más importantes de su carrera, ya que protagonizó Vida íntima de Julia Norris, de Mitchell Leisen, en 1947 y La heredera, de William Wyler, en 1949, junto a Montgomery Clift, que le supondrían los dos Óscar de su carrera. Sin embargo, en el año 1939 ya había interpretado uno de los papeles que más importancia y reconocimiento le depararía a nivel mundial, el de Melanie Hamilton en Lo que el viento se llevó (1939), por el que consiguió una nominación a los Óscar como mejor actriz secundaria ese mismo año, aunque el premio se lo llevó su compañera de reparto, Hattie McDaniel, que interpretaba el papel de Mami y fue la primera actriz afroamericana en conseguirlo. En el año 1941 fue de nuevo nominada al Óscar a la mejor actriz principal por su papel en Si no amaneciera, pero esta vez fue su hermana, Joan Fontaine, nominada por Sospecha, de Alfred Hitchcock la que se lo llevó. La mala relación que mantenían las dos hermanas pudo apreciarse en la entrega de los Óscar, cuando Joan rechazó las felicitaciones de Olivia al subir a recoger su galardón.

A pesar de que los años 1940 fueron los mejores de su carrera, fue en esta época cuando tuvo un problema judicial con la Warner, ya que ella se quejaba de que los papeles que le proporcionaban no tenían ningún valor artístico, y pensaba que los mejores papeles se los cedían siempre a Bette Davis (un ejemplo evidente, es la película: La vida privada de Elisabeth y Essex), y entonces el estudio, en represalia, no le concedió ningún papel en más de seis meses. Olivia los demandó cuando intentaron prorrogar su contrato de siete años alegando que les debía esos 6 meses como castigo. Ella ganó la demanda, pero estuvo casi tres años sin trabajar.

La década de los 50
A partir de los años 1950, sus papeles se van distanciando cada vez más. De esta última etapa de su carrera, sus papeles más importantes fueron No serás un extraño (1955), de Stanley Kramer, La noche es mi enemiga (1959), de Anthony Asquit, y Canción de cuna para un cadáver (1964), de Robert Aldrich. En 1955 encarnó a una noble española, la polémica Princesa de Éboli, en una película dirigida por Terence Young.

Últimos trabajos
Dejó apartado un poco el cine a partir de los años 1960, y se dedicó al teatro y la televisión, que emergía en aquellos tiempos, trabajando a lo largo de esta década en varias series para este medio, como Norte y Sur (1986). Desde entonces, ha vivido prácticamente recluida, y una de sus últimas apariciones fue como presentadora de uno de los premios de la 75 edición de los Óscar, en el año 2003.

De Havilland narró el documental de 2009, Recuerdo mejor cuando pinto. La película trata sobre la importancia del arte en el tratamiento de la enfermedad de Alzheimer. El 22 de marzo de 2011, se presentó la película en una proyección especial en París.

Últimos honores
El 17 de noviembre de 2008, a la edad de 92, de Havilland recibió la Medalla Nacional de las Artes. El 9 de septiembre de 2010, a la edad de 94 años, Olivia de Havilland fue nombrado Caballero de la Legión de Honor, una distinción que otorga el Presidente de la República Francesa.

En febrero de 2011, Olivia de Havilland apareció en la ceremonia de entrega de los Premios César. Jodie Foster la presentó y De Havilland recibió una ovación con el público puesto en pie.

Matrimonios e hijos
En el año 1946 se casó en primeras nupcias con el novelista Marcus Goodrich, del que se divorciaría en 1953 y con el que tuvo un hijo, Benjamín, que moriría en el año 1991.1 En 1955 se casó por segunda vez con Pierre Galante, con quien tuvo una hija, y del que se divorciaría en 1979, manteniendo una buena amistad hasta el punto de cuidarle hasta su muerte en París, en el año 1998. Desde los años 1950 reside en París.

Filmografía
Elibi Ike (1935)
El predilecto (1935)
El sueño de una noche de verano (1935)
El capitán Blood (1935)
La carga de la brigada ligera (1936)
Robin de los bosques (1938)
Dodge, ciudad sin ley (1939)
Lo que el viento se llevó (1939)
La vida privada de Elizabeth y Essex (1939)
Camino de Santa Fe (1940)
Si no amaneciera (1941)
Murieron con las botas puestas (1941)
Como ella sola (1942)
Predilección (1945)
Vida íntima de Julia Norris (1946)
A través del espejo (1946)
Nido de víboras (1948)
La heredera (1949)
Mi prima Raquel (1952)
La Princesa de Éboli (1955)
No serás un extraño (1956)
La hija del embajador (1956)
El rebelde orgulloso (1958)
La noche es mi enemiga (1959)
Canción de cuna para un cadáver (1964)
Aeropuerto 77 (1977)
El enjambre (1978)
Anastasia (1986)

Teatro
A gift of Time (1962).
Candida (1952), de George Bernard Shaw
Romeo y Julieta (1951), de William Shakespeare.

Premios
Premios Óscar
AñoCategoríaPelículaResultado
1949Mejor ActrizLa herederaGanadora
1948Mejor ActrizNido de víborasCandidata
1946Mejor ActrizVida íntima de Julia NorrisGanadora
1941Mejor ActrizSi no amanecieraCandidata
1939Mejor Actriz de RepartoLo que el viento se llevóCandidata

Globo de Oro

AñoCategoríaPelículaResultado
1986Mejor Actriz de Reparto de serie, miniserie o telefilmeAnastasia: The Mystery of AnnaGanadora
1952Mejor Actriz - DramaMi prima RaquelCandidata
1949Mejor Actriz - DramaLa herederaGanadora

VÍCTOR FLEMING

Victor Fleming (n. La Cañada, California; 23 de febrero de 1889 - f. Cottonwood, Arizona; 6 de enero de 1949), fue un cineasta norteamericano director en 1939 de dos de las más famosas películas de todos los tiempos: Lo que el viento se llevó y El mago de Oz.

Biografía
Victor Fleming entró en el mundo del cine casualmente. Después de hacer multitud de trabajos en diferentes áreas (como mecánico de bicicleta, taxista, mecánico), conoció al productor y director Allan Dwan al que sirvió como chófer.

De la mano de Dwan, Fleming empieza a entrar en contacto con el mundo del teatro y de la interpretación y, de hecho, se une a Douglas Fairbanks y John Emerson para realizar algunos proyectos. Además, fue uno de los camarógrafos de Intolerancia de D.W. Griffith en 1916.

En la Primera Guerra Mundial, Fleming fue el supervisor de las escenas aéreas de Fairbanks y, posteriormente, sería el camarógrafo personal del Presidente estadounidense Woodrow Wilson en la Conferencia de París.

Así fue como, en 1919, hizo que Fleming pudiera obtener el dinero necesario para realizar su primera película When the Clouds Roll By. A partir de aquí dirige una serie de títulos menores y no es hasta 1925 cuando dirige para la empresa Paramount la cinta Lord Jim (1925). Durante esos años, lanza a la fama a diferentes actores: Clara Bow con la película Flor de capricho (Mantrap), Emil Jannings se da a conocer al público norteamericano con El destino de la carne (The Way of All Flesh) y Fleming le da la primera oportunidad sonora a Gary Cooper en El virginiano (The Virginian).

En la década de los 30, Fleming firma contrato con Metro Goldwyn Mayer, donde lanza a la fama a Clark Gable en Tierra de pasión (Red Dust) (1932), y encuentra un gran éxito con Capitanes intrépidos (Captains Courageous) (1937 y El mago de Oz (The Wizard of Oz).

Pero sin duda una de las cosas por la que será recordado para la posteridad es el haber sido el director que finalmente apareció en los títulos de crédito de Lo que el viento se llevó (Gone With the Wind). Una película, apuesta personal del productor David Selznick y que pasó por diferentes manos antes de llegar a las de Fleming, que acabó por terminarla y por la que ganó un Óscar a la mejor dirección en 1939.

En la siguiente década, todas las películas de Fleming, excepto su último proyecto Juana de Arco (Joan of Arc) (1948), fueron un completo éxito. Especialmente Dos en el cielo (A Guy Named Joe) con Spencer Tracy e Irene Dunne. Cuando le aconteció su muerte en enero de 1949, Fleming planeaba la realización de La soga (Rope), que finalmente hizo la 20th Century Fox en 1952 de manos de Alfred Hitchcock.

Filmografía
1919 When the Clouds Roll by
1920 The Mollycoddle
1921 Mama's Affair
1922 Red Hot Romance
The Lane That Had No Turning
Woman's Place
1923 The Call of the Canyon
To the Last Man
Law of the Lawless
Dark Secrets
Anna Ascends
1924 Empty Hands
Code of the Sea
1925 Lord Jim
A Son of His Father
Adventure
El muladar de oro: Más caridad y menos trabajo (The Devil's Cargo)
1926 Flor de capricho (Mantrap)
La diosa ciega (The Blind Goddess)
1927 The Rough Riders
Hula (Hula)
El destino de la carne (The Way of All Flesh)
1928 The Awakening
Rosa de Irlanda (Abie's Irish Rose)
1929 El virginiano (The Virginian)
El canto del lobo (The Wolf Song)
1930 ¿Hombres o diablos? (Renegades)
Common Clay
1931 La vuelta al mundo en 80 minutos (Around the World in 80 Minutes with Douglas Fairbanks)
1932 Tierra de pasión (Red Dust)
The Wet Parade
1933 Polvorilla (Bombshell)
La hermana blanca (The White Sister)
1934 La isla del tesoro (Treasure Island)
1935 Contrastes (The Farmer Takes a Wife)
La indómita (Reckless)
1937 Capitanes intrépidos (Captains Courageous)
The Good Earth
1938 El gran vals (The Great Waltz)
Piloto de pruebas (Test Pilot)
1939 Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind)
El mago de Oz (The Wizard of Oz)
1941 El extraño caso del dr. Jekyll (Dr. Jekyll and Mr. Hyde)
They Dare Not Love
1942 La vida es así (Tortilla Flat)
1943 Dos en el cielo (A Guy Named Joe)
1948 Juana de Arco (Joan of Arc)

LESLIE HOWARD

Leslie Howard Stainer (Forest Hill, Londres, 3 de abril de 1893 - Golfo de Vizcaya, 1 de junio de 1943) conocido como Leslie Howard, fue un actor inglés de teatro y cine.

Biografía
Entre las más de veinte películas que hizo en los años treinta su interpretación más popular es el papel de Ashley Wilkes en la película Lo que el viento se llevó, pero tuvo una larga carrera interpretativa, incluyendo su estancia en Hollywood, con actuaciones destacadas en La Pimpinela Escarlata (1934), El bosque petrificado (1936), Pigmalión (1938) e Intermezzo (1939).

Para coprotagonizar El bosque petrificado Leslie Howard recomendó a un actor poco reconocido por esa época llamado Humphrey Bogart, pues ambos habían interpretado previamente la obra en el teatro. La amistad entre ambos fue tan estrecha que incluso este último llamó Leslie a una de sus hijas. Leslie Howard tuvo dos hijos: Leslie Ruth Howard y Ronald Howard, nacido en 1918, que más tarde seria actor reconocido por la serie de Sherlock Holmes (1954).

Filmografía
Lo que el viento se llevó (1939)
Outward Bound (1930) - Tom Prior
Princesa del 5 y 10 (Five a ten) (1931) de Robert Z. Leonard
Alma libre (A free soul) (1931) de Clarence Brown.
Prohibido (Never the twain shall meet) (1931) de W.S. Van Dyke
Reserved for Ladies (1932) - Max Tracey
La llama eterna (Smilin' Through) (1932) de Sidney Franklin.
Capturados (1933) de Roy Del Ruth.
Secretos (Secrets) (1933) de Frank Borzage.
Berkeley Square (1933) - Peter Standish
El agente británico (British Agent) (1934) de Michael Curtiz.
Cautivo del deseo (Of Human Bondage) (1934) de John Cromwell.
La Pimpinela Escarlata (The Scarlet Pimpernel) (1934) de Harold Young.
El bosque petrificado (The Petrified Forest) (1936) de Archie Mayo.
Romeo y Julieta(1936) de George Cukor.
Siempre Eva (Stand-In) (1937) de Tay Garnett.
It's Love I'm After (1937) - Basil Underwood
Pigmalión (Pygmalion) (1938) de Anthony Asquith y Leslie Howard.
Lo que el viento se llevó (1939) de Sam Wood, Victor Fleming y George Cukor.
Intermezzo (Intermezzo) (1939) de Gregory Ratoff.
Los invasores (Forty-Ninth Parallel) (1941) de Michael Powell.
Pimpernel Smith (1941) - Professor Horatio Smith.
El gran Mitchell (The First of the Few) (1942) de Leslie Howard.

HATTIE MCDANIEL

Hattie McDaniel (10 de junio de 1895 – 26 de octubre de 1952) fue una actriz y cantante estadounidense, la primera afroestadounidense en ganar un Premio Óscar y en 2006 el primer afroestadounidense ganador de Óscar a quien se le dedicó un sello postal del gobierno de EE. UU., tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, por sus contribuciones radiales y cinematográficas. Una de las pioneras del movimiento afroestadounidense, desafió las convenciones e injusticias de la época.

Fue una de las figuras más queridas de Hollywood, a menudo encasillada en el personaje de la buena criada, vivaz y solidaria. Cuando se le criticó por trabajar sólo en papeles de empleada doméstica contestó: «Prefiero actuar de sirvienta y ganar 700 dólares semanales que ser una sirvienta y ganar 7».

Biografía
McDaniel fue la menor de trece hermanos e hija de esclavos liberados. Nació en Wichita, Kansas. Creció en Denver y se unió al Minstrel Show de varieté de su padre y dos hermanos.

Cantó con la orquesta de George Morrison y en las giras de Show Boat en 1929 y 1930.

En 1930 se estableció en Los Ángeles, trabajando de empleada doméstica hasta conseguir un pequeño papel en 1932. Su segundo film fue con Mae West en No soy un ángel.

Contratada por la Century Fox, en 1934 actuó en The little colonel con Shirley Temple y Lionel Barrymore (dirigida por John Ford), en Judge Priest y en Alice Adams (con Katharine Hepburn).

Entre 1932 y 1949 actuó en 300 películas aunque sólo se le dio crédito en 80. Se la recuerda por su actuación en 1936 en la película Show Boat junto a Paul Robeson e Irene Dunne. En 1940 ganó el Óscar a la mejor actriz de reparto por su personaje de Mammy en Lo que el viento se llevó, marcando un hito para los logros de la población afroestadounidense. Tuvieron que pasar casi quince años para que otra actriz negra (Dorothy Dandridge) fuese nominada al Óscar de mejor actriz principal.

En 1947 protagonizó el show radial The Behula Show, que fue llevado a la televisión pero en el tercer capítulo la actriz supo que tenía cáncer de mama y no pudo seguir actuando. Falleció a los 57 años en Woodland Hills (Los Ángeles).

El cementerio principal de la ciudad la rechazó debido a que en toda la nación no se permitía que las personas con piel negra fueran enterradas en el mismo sitio que las blancas. (En EE. UU., el apartheid terminó en 1965). En 1999 el mismo cementerio erigió un cenotafio en su honor.

DAVID O. SELZNICK

David O. Selznick (n. Pittsburgh, Pennsylvania, 10 de mayo de 1902 – f. Hollywood, California, 22 de junio de 1965) fue uno de los productores iconos de la Era Dorada de Hollywood. Reconocido por haber sido el productor de Lo que el viento se llevó en 1939, una de las más populares de la historia y que le hizo ganar un Óscar a la mejor película, además del Premio Irving G. Thalberg ese mismo año, Selznick hizo historia por ganar un segundo Óscar consecutivo por Rebeca en 1940.

Biografía y carrera
Nació en el seno de una familia judía en Pittsburgh, Pennsylvania. Su padre era un distribuidor de películas de la era del cine mudo, Lewis J. Selznick y su madre Florence A. (Sachs) Selznick.

Primeros años
Estudió en la Universidad de Columbia y trabajó como aprendiz en el negocio de su padre hasta que quebró en 1923. En 1926, Selznick se mudó a Hollywood y usando las conexiones de su padre consiguió un trabajo de editor asistente en la Metro-Goldwyn-Mayer. Dejó su trabajo en la MGM para ir a Paramount Pictures en 1928, trabajando ahí hasta 1931 cuando es contratado por RKO como jefe de producción.

Sus años en RKO fueron muy productivos llevando a cabo películas como Doble sacrificio (1932), What Price Hollywood (1932) y King Kong (1933). Además dio a George Cukor su primera oportunidad de dirigir. Regresó en 1933 a MGM para establecer una segunda unidad de producción paralela a la de Irving Thalberg, quien estaba muy mal de salud. Sus clásicos incluyen Cena a las ocho (1933), David Copperfield (1935), Anna Karenina (1935) con Greta Garbo e Historia de dos ciudades (1935).

Empresa propia
Pero Selznick era incansable y quería tener su propia productora y estudios y en 1936 llegó a esa meta formando Selznick International Pictures siendo distribuidos sus películas por United Artists. Sus éxitos continuaron con películas como El jardín de Alá (1936), Prisionero de Zenda (1937), Nace una estrella (1937), Nada sagrado (1937), Uno para otro (1939), Intermezzo (1939) y por supuesto su obra máxima, Lo que el viento se llevó(1939). En 1940, hizo historia al ganar su segundo Oscar consecutivo como mejor película por "Rebeca", la primera producción hollywoodiense para el director británico Alfred Hitchcock. Selznick que trajo a Hitchcock desde Inglaterra y lanzó la carrera norteamericana de este afamado director. Rebeca fue el único filme de Hitchcock en ganar un oscar a la mejor película.

Después de Rebecca, Selznick cerró Selznick International Pictures y se tomó un tiempo de vacaciones. Sus negocios incluían prestarle a otras productoras por las grandes ganancias que le producían aquellos que estaban contratados por el, incluidos Hitchcock, Ingrid Bergman, Vivien Leigh y Joan Fontaine. Desarrollaba proyectos de cine que luego vendía en paquetes a otros productores. En 1944 regresa a la producción de películas con Since You Went Away, escrita por él mismo. Continuó con el clásico Spellbound(1945) y con el Retrato de Jennie (1948). En 1949, coproduce El tercer hombre.

Después de Lo que el viento se llevó, Selznick pasó el resto de su carrera tratando de superar ese legado. A lo que más se acercó fue con Duelo al sol,(1946). Con un presupuesto inmenso, esta película tenía un reparto estelar, y una cinematografía espléndida, y un guion considerado extremadamente arriesgado para la época escrito por el propio Selznick. A pesar de haber sido ejecutada por varios directores, la obra resultó ser un gran éxito siendo la película con segunda mejor recaudación en 1947.

Selznick pasó la gran mayoría de los años 1950 obsesionado en promover la carrera de su segunda esposa Jennifer Jones. Su último film fue una producción de alto presupuesto Adiós a las armas(1957) protagonizada por Jones y Rock Hudson, que fue mal recibida.

Televisión
También se aventuró en el mundo de la televisión, en 1954 produjo un programa llamado a Light's Diamond Jubilee, en el cual, a la manera de Selznick, se hizo historia por haber sido simultáneamente transmitida en todas las redes de televisión de la época.

Carreras lanzadas por él
Adicionalmente a su filmografía, Selznick tenía un instinto para descubrir nuevos talentos, fue quien introdujo los nombres de Fred Astaire, Katharine Hepburn, Ingrid Bergman, Vivien Leigh y Louis Jourdan así como al director Alfred Hitchcock. Selznick continuó siendo una leyenda de Hollywood hasta el final de sus días. Sus obras se estudian como parte de la historia de esta industria.

Legado
A pesar de la deuda que la industria tiene con el por sus descubrimientos y obras, así por su indudable dedicación al arte de hacer películas, Selznick está considerado como la versión estereotipada del productor estadounidense con quien son comparados sus equivalentes contemporáneos. Aquel que constantemente interfiere en el proceso creativo ganándose muchos amigos y enemigos. Alfred Hitchcock, cuyo film Spellbound fuese editado por Selznick fue uno de los que más resentimientos tuvo con el, separándose después de ese proyecto. Batalló también con Carol Reed durante la producción de El tercer hombre cortándola severamente en su versión norteamericana. Quizás el más famoso ejemplo de su interferencia fue durante la producción de la película de Powell y Pressburger Camino a la tierra protagonizada por su esposa Jennifer Jones. Despué de su producción, a Selznick le disgustó tanto la película que quitó casi una tercera parte para su lanzamiento en América, cambiándole el nombre por Corazón salvaje.

Michael Powell resumió la relación del dúo con Selznick de esta manera: "Decidimos tener una relación con David O. (Selznick) de la misma forma como los jabalíes hacen el amor... ¡con mucho cuidado!"

Otra información
El nombre real de David O. Selznick's es... simplemente David Selznick. Algunas veces se dijo que la "O" provenía de Oliver, pero, en realidad esta inicial es una invención suya. El libro autobiográfico Memorandun de David O. Selznick (1972)1 comienza con esta frase:

No tengo segundo nombre, usé brevemente el apellido de soltera de mi madre, Sachs. Tengo un tío, a quién francamente aborrecía que también se llamaba David Selznick, para evitar confusiones entre nosotros dos me fui al alfabeto comparando cual me daba mejor puntuación decidiéndome por la letra "O."

Selznick se casó con Irene Gladys Mayer, hija del magnate de la MGM, Louis B. Mayer en 1930, divorciándose en 1948. De esta unión nacieron dos hijos: Daniel Selznick y Jeffrey Selznick.
Se casa por segunda ocasión con Jennifer Jones in 1949, de la cual tuvieron una hija: Mary Jennifer Selznick, quien suicidó en 1975.

Su hermano Myron Selznick, se convirtió en uno de los más poderosos agentes de Hollywood, definiendo la profesión para aquellos que le siguieron. Murió en 1944.

David O. Selznick fallece el 22 de junio de 1965, debido a una serie de ataques cardíacos, y está enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park Cemetery de Glendale, California.

Por sus innegables contribuciones a la industria del cine, David O. Selznick tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en el 7000 Hollywood Blvd., en frente del histórico Hotel Roosevelt.
Derechos de sus Filmes

Después de su muerte, sus sucesores vendieron la mayoría de los derechos a la ABC (ahora parte de Disney/Buena Vista), sin embargo MGM retuvo los derechos de "Lo que el viento se llevó" (que luego pasaron a manos de Time Warner/Turner Entertainment), y 20th Century Fox todavía retiene los derechos de "Adiós a las Armas"".

AVA GARDNER

Ava Lavinia Gardner (n. Brogden, Carolina del Norte, 24 de diciembre de 1922 - m. Londres, 25 de enero de 1990) fue una actriz del cine clásico estadounidense nominada a los Premios Óscar, considerada una de las grandes estrellas del siglo XX y como uno de los mitos del Séptimo Arte. Conocida por su exuberante y fotogénica belleza, se dice de ella que fue "el animal más bello del mundo".

Infancia y juventud
Ava Gardner nació en 1922 en la pequeña comunidad rural de Brogden, en el estado de Carolina del Norte. Creció en el ambiente rústico del campo, en el seno de una familia muy pobre de cultivadores de tabaco y algodón, junto con sus seis hermanos, de los cuales ella era la menor. 

JOAN CRAWFORD

Lucille Fay Le Sueur, más conocida como Joan Crawford (n. San Antonio, Texas; 23 de marzo de 1905 - f. Nueva York; 10 de mayo de 1977), fue una actriz estadounidense. Fue una de las pocas superestrellas de la época muda en adaptarse al cine sonoro en Hollywood. Es considerada la décima estrella femenina de todos los tiempos por el American Film Institute.

Biografía
Nacida el 23 de marzo de 1905 en San Antonio (Texas), provenía de una familia modesta. Su padre, Thomas Le Sueur, de origen francocanadiense, abandonó la familia antes del nacimiento de Crawford. Luego, su madre, Anna Bell, de origen sueco, contrajo matrimonio en segundas nupcias con Henry Cassin, empresario de teatro, lo que mejoró ostensiblemente la economía y la vida de la pequeña Lucille.

En 1915 ya ejercía de camarera en un hotel de Kansas City, compaginándolo con sus estudios en St. Agnes Convent, más tarde en la Rockingham School y finalmente en el Stephen College de Columbia (Missouri) donde aprendió a bailar; el baile fue su primera vocación, pese a que sufrió un accidente que le afectó las piernas. En 1921 debutó en el coro de la revista de Katherine Emerine, también en Kansas City.

En 1925 ganó un concurso de danza que facilitó su lanzamiento como actriz por la Metro Goldwyn Mayer, en un principio únicamente como doble de Norma Shearer. Su primera película de éxito fue Como las mariposas. Su matrimonio con Douglas Fairbanks Jr. impulsó además su carrera.

Llevó una de las vidas sexuales más promiscuas de Hollywood, no sólo con hombres sino también con mujeres. En su lista de conquistas se incluyó a Marilyn Monroe, si bien se dice que ésta la rechazó. Ganó tal fama de devoradora de hombres y mujeres que Bette Davis llegó a afirmar de ella que se había acostado «con todas las estrellas de la Metro Goldwyn Mayer, salvo la perra Lassie».

Tras cuatro filmes cambió de nombre a Joan Crawford. A partir de 1944, abandona la Metro y trabaja alternativamente en varias productoras sin llegar a atarse a ninguna: la Warner Brothers, la Columbia y, al final de su carrera, la RKO.

Se casó en tres ocasiones más, con Franchot Tone, Philip Terry y Alfred Nu Steele, este último presidente de Pepsi-Cola, quien, al morir, dejó a Joan como miembro de la mesa directiva de dicha empresa. Adoptó a cuatro niños.

Su declive comenzó a hacerse más notorio en el cine y se fue dedicando cada vez más a los negocios. Como mujer madura regresó a las pantallas para encarnar a mujeres perversas, papeles en los que siempre estuvo muy a gusto. Interesantemente, en 1968, suplantó por unos capítulos a su propia hija adoptiva, Christina Crawford en un papel del culebrón The Secret Storm (La Tormenta Secreta).

Obtuvo el destacado premio Óscar a la mejor actriz en 1945 por Alma en suplicio (Mildred Pierce), la versión cinematográfica de una novela de James Cain. En 1947, por segunda vez y en 1952, por tercera vez, fue nominada al premio Óscar por Amor que mata y Sudden Fear. Trabajó en total en más de setenta películas y poseía un temperamento muy fuerte que le valió numerosos roces con distintos personajes. Su boca ancha, su rostro cuadrado y sus inmensos ojos la convirtieron en una de las actrices más carismáticas y con mejor registro dramático de Hollywood. Se recuerdan especialmente sus interpretaciones en Johnny Guitar en 1954 y en ¿Qué fue de Baby Jane? en 1962, junto a la también célebre y legendaria actriz Bette Davis. Su última interpretación fue en la película Trog en 1970.

Joan Crawford, falleció un 10 de mayo de 1977 en Nueva York, a causa de un cáncer.

Detalles curiosos
Su enemiga profesional y personal fue la célebre actriz Bette Davis, otro mito del cine. Ambas se detestaban a morir, y curiosamente les tocó trabajar juntas como protagonistas en el excelente film ¿Qué fue de Baby Jane? donde Crawford es Blanche Hudson maltratada brutalmente por Jane Hudson (Bette Davis). Davis hizo instalar una maquina dispensadora de Coca-Cola en el set, para hacer enfadar a Joan Crawford ya que su esposo, Alfred Nu Steele, era un ejecutivo de Pepsi-Cola.

Crawford tenía otra enemiga aunque menos publicitada: odiaba enormemente a Norma Shearer, debido a que ésta estaba casada con un gran ejecutivo de la MGM y los mejores papeles le llegaban. Todo esto comenzó cuando Shearer obtuvo el papel de Jan Ashe en la adaptación fílmica del libro “A Free Soul”. El guionista había pensado en Crawford cuando creo la historia, y Crawford peleó por conseguir el papel. Su pelea fue en vano; con Irving Thalberg en la producción de la película, el papel fue a dar a manos de su esposa. La película fue nominada para tres premios oscar, incluyendo mejor actriz principal para Norma.

Desde ahí Crawford hizo de Shearer su rival en MGM. Comentando la “ventaja” que tendría Shearer para obtener los buenos papeles, Crawford decía: “Duerme con el jefe. ¿Quién puede competir con eso?”

Crawford también descalificaba la apariencia y talento de Shearer diciendo: “No lo entiendo. Es bizca, patizamba, y no puede actuar ni una maldita cosa. ¿Qué es lo que ven en ella?. Ante estos dichos Shearer respondió: “Es imposible hacer algo bien hecho sin pisarle los pies a algunas personas; tener enemigos es inevitable cuando uno hace las cosas bien”

Durante la grabación de la comedia de 1939 “The Women”, su rivalidad se volvió más publicitada con cosas como que Crawford tejía fuertemente durante las grabaciones de las escenas de Shearer. Debido a esto George Cukor, el director, tuvo que echarla del plató. El enfrentamiento fue bueno para la película, la buena publicidad, y la buena producción hicieron de la película un éxito.

El personaje de Crawford en esa película es de alguien que roba el marido al personaje de Shearer. Debido a esto Crawford dijo: “Adoro interpretar a perras, y ella me ayudo con eso.

Filmografía
Ropa vieja (Old Clothes) (1925)
The Only Thing (The Only Thing) (1925)
El Jazz-Band del Folies (Pretty Ladies) (1925)
Como las mariposas (Sally, Irene and Mary) (1925)
The Boob (The Boob) (1926)
Noches de París (París) (1926)
Un sportman de ocasión (Tramp, Tramp, Tramp) (1926)
Fiebre de primavera (Spring Fever) (1927)
Bailarinas con taxímetro (The Taxi Dancer) (1927)
Filibusteros modernos (Twelve Miles Out) (1927)
Corazones comprensivos (The Understanding Heart) (1927)
Garras humanas (The Unknown) (1927)
Por la razón y la fuerza (Winners of the Wilderness) (1927)
La ruta de Singapur (Across to Singapore) (1928)
Sueño de amor (Dream of Love) (1928)
La cárcel de la redención (Four Walls) (1928)
The Law of the Range (The Law of the Range) (1928)
Vírgenes modernas (Our Dancing Daughters) (1928)
Rose Marie (Rose-Marie) (1928)
El cadete de West Point (West Point) (1928)
El piropeador (The Duke Steps Out) (1929)
Hollywood Revue (The Hollywood Revue of 1929) (1929)
Jugar con fuego (Our Modern Maidens) (1929)
La indomable (Untamed) (1929)
Luz de Montana (Montana Moon) (1930)
Novias ruborosas (Our Blushing Brides) (1930)
Pagada (Paid) (1930)
Danzad, locos, danzad (Dance, Fools, Dance) (1931)
Salvada (Laughing Sinners) (1931)
Amor en venta (Possessed) (1931)
Slippery Pearls(1931)
Esta edad moderna (This Modern Age) (1931)
Gran Hotel (Grand Hotel) (1932)
Letty Lynton (1932)
Lluvia (Rain) (1932)
Alma de bailarina (Dancing Lady) (1933)
Vivamos hoy (Today We Live) (1933)
Encadenada (Chained) (1934)
Cuando el diablo asoma (Forsaking All Others) (1934)
Así ama la mujer (Sadie McKee) (1934)
Yo vivo mi vida (I Live My Life) (1935)
No quedan damas (No More Ladies) (1935)
La pícara hermosa (The Gorgeous Hussy) (1936)
Amor en prisa (Love on the Run) (1936)
La novia vestía de rojo (The Bride Wore Red) (1937)
Lo último de la Sra. Cheyney (The Last of Mrs. Cheyney) (1937)
Maniquí (Mannequin) (1938)
La hora radiante (The Shining Hour) (1938)
Ice Follies of 1939 (Ice Follies of 1939) (1939)
Mujeres (The Women) (1939)
Extraño cargamento (Strange cargo) (1940)
Susana y Dios (Susan and God) (1940)
Cuando ellas se encuentran (When Ladies Meet) (1941)
Un rostro de mujer (A Woman's Face) (1941)
Reunión en Francia (Reunion in France) (1942)
Todos besaron a la novia (They All Kissed the Bride) (1942)
Fuera de sospecha (Above Suspicion) (1943)
Hollywood Canteen (Hollywood Canteen) (1944)
Alma en suplicio (Mildred Pierce) (1945)
Humoresque (Humoresque) (1946)
Entre el amor y el pecado (Daisy Kenyon) (1947)
Amor que mata (Possessed) (1947)
Flamingo Road (Flamingo Road) (1949)
Qué sensación (It's a Great Feeling) (1949)
Los condenados no lloran (The damned don't cry) (1950)
La envidiosa (Harriet Craig) (1950)
Adiós, mi amor (Goodbye, My Fancy) (1951)
Miedo súbito (Sudden Fear) (1952)
La mujer peligorsa (This Woman Is Dangerous) (1952)
La canción de la antorcha (Torch Song) (1953)
Johnny Guitar (Johnny Guitar) (1954)
Una mujer en la playa (Female on the Beach) (1955)
Queen Bee (Queen Bee) (1955)
Hojas de otoño (Autumn Leaves) (1956)
La historia de Esther Costello (The Story of Esther Costello) (1957)
Mujeres frente al amor (The Best of Everything) (1959)
¿Qué fue de Baby Jane? (What Ever Happened to Baby Jane?) (1962)
Los guardianes (The Caretakers) (1963)
El caso de Lucy Harbin (Strait-Jacket) (1964)
Jugando con la muerte (I Saw What You Did) (1965)
El circo del crimen (Berserk) (1967)
Night Gallery (Night Gallery) (1969)
Trog (Trog) (1970)

Premios
Premios Óscar
AñoCategoríaPelículaResultado
1952Mejor ActrizMiedo súbitoCandidata
1947Mejor ActrizPossessedCandidata
1945Mejor ActrizMildred PierceGanadora

ELIA KAZAN

Elia Kazan (Kayseri, 7 de septiembre de 1909 – Nueva York, 28 de septiembre de 2003) fue un director de cine y escritor estadounidense de origen griego. Su nombre griego era Elias Kazanjoglou (Ηλίας Καζαντζόγλου).

Biografía
Orígenes
Nació en Kayseri (Cesárea de Capadocia), en el antiguo Imperio otomano (actual Turquía). Era hijo de un comerciante de alfombras griego, por lo que formaba parte de la minoría de lengua griega y religión cristiana ortodoxa del Imperio otomano.

Su familia abandonó su país natal para trasladarse a Berlín cuando Elia solo tenía dos años de edad. Después de una breve estancia en la capital alemana, que no mejoró su situación económica, en 1913 la familia se instaló en Nueva York, donde el cabeza de familia montó un negocio de alfombras con el que consiguió enriquecerse con rapidez, hasta que la crisis de 1929 puso fin a su prosperidad.

Actividad teatral
Interesado por el teatro, en 1930 Kazan ingresó en la Universidad de Yale, donde cursó Arte Dramático durante dos años, costeándose los estudios con su trabajo como portero de noche de un edificio. Montó su primera obra teatral, El segundo hombre, de Samuel N. Behrman, en 1931, y en 1932 debutó como actor en la obra Chrysalis, que tenía a Margaret O'Sullivan y Humphrey Bogart como protagonistas. Por esas mismas fechas se incorporó al Group Theatre, una formación que entendía el arte escénico de una manera novedosa y experimental para la época. Llevó a escena, entre otras obras, La muerte de un viajante y Después de la caída, ambas de Arthur Miller.

Pronto se reveló como uno de los directores más innovadores del Group Theatre, lo que le valió en 1943 el premio de la crítica por la puesta en escena de The Skin on our Teeth, de Thornton Wilder. En 1947 fue, junto con Cheryl Crawford y Robert Lewis, uno de los fundadores del Actor's Studio, la mítica escuela de formación de actores. Esta escuela tuvo una influencia decisiva en el teatro estadounidense y de ella salieron actores de la talla de Marlon Brando, Montgomery Clift, Geraldine Page y Paul Newman.

Actividad cinematográfica
En 1944 dirigió su primer largometraje, A Tree Grows in Brooklyn (Lazos humanos). Le siguieron Boomerang (El justiciero, 1947) y The Sea of Grass (Mar de hierba, 1947), que le valieron dos premios de la crítica; Gentleman's Agreement (La barrera invisible, 1947) por el que obtuvo su primer Óscar; Pinky (1949); Panic in the Streets (Pánico en las calles, 1950); y A Streetcar Named Desire (Un tranvía llamado deseo, 1951), por la que fue nominado al Óscar. Los años siguientes a estos hechos fueron los más prolíficos de toda su carrera. Sin desatender la dirección dramática ni la actividad literaria, realizó numerosas y célebres películas: Viva Zapata! (1952); Man on a Tightrope (Fugitivos del terror rojo, 1952); On the Waterfront (Nido de ratas / La ley del silencio, 1954) por la que ganó su segundo Óscar en 1955; East of Eden (Al este del paraíso / Al este del Edén, 1955) su cuarta nominación al Oscar como director; Baby Doll (1956); Wild River (Río Salvaje, 1960); Splendor in the Grass (Esplendor en la hierba, 1961).

Más tarde redujo su actividad cinematográfica, hasta que la abandonó para dedicarse enteramente a la producción literaria desde finales de los setenta. Sus últimas realizaciones fueron America, America (1963), a partir de una novela autobiográfica publicada en 1962; The Arrangement (El compromiso, 1968); The Visitors (Los visitantes, 1972); y The Last Tycoon (El último magnate, 1976).

Actividad literaria
Como autor literario también logró el reconocimiento de público y crítica. Aparte de America, America, publicó The Assassins (1972); The Understudy (1974); Acts of Love (1978); The Anatolian (1982); y Elia Kazan: a Life (1989), minuciosas memorias por las que desfilan numerosos personajes de Hollywood. En España se publicaron seis novelas suyas con los títulos: Los asesinos, América, América, El doble, El compromiso, El hombre de Anatolia y Actos de amor. También se publicó su autobiografía titulada Mi vida.

Galardones
Consiguió dos Óscar, ambos como mejor director. También recibió en 1999 un Honorífico al conjunto de su carrera. Además de los Óscar por sus películas, Kazan recibió numerosos galardones como el Premio de Maestros del Cine, otorgado por la el diario 'Times' en 1989 y, en febrero de 1996, el Oso de Oro especial por el conjunto de su obra en el Festival de Berlín.

Matrimonio
Contrajo matrimonio en tres ocasiones. Con Molly Day Thacher en 1932, con la que tuvo dos hijos y dos hijas, y con la actriz Barbara Loden en 1967, ambas fallecidas. En 1982 se casó con Frances Rudge.

Testimonio en la caza de brujas
Consiguió una cierta notoriedad tras su testimonio ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas en la época del mccarthismo y la caza de brujas. Testificó contra sus antiguos compañeros del Partido Comunista, delación con la que consiguió mantener su estatus pero que no olvidaron algunos actores y demás colegas de su profesión. Al recibir su Óscar honorífico, varios de ellos se negaron a aplaudirle y a ponerse en pie, para dejar así patente su rechazo.

Kazan trató de justificar sus delaciones. En su novela El Anatolio y en su película America, America, explica que su admiración por el modo de vida americano le llevó a velar por su país. Estas obras autobiográficas cuentan los avatares de un joven griego anatolio que, como otros millones de emigrantes, deja su tierra natal hostil para acceder al nuevo paraíso. Tampoco fue casual que Kazan deformara la historia de la lucha de los obreros portuarios de Nueva York en La ley del silencio. Los sindicatos de obreros portuarios, que en la realidad tenían mayoría de comunistas, aparecen dominados por la Mafia. El protagonista, representado por Marlon Brando, hace una auténtica apología de la delación.

Filmografía
1937: The People of the Cumberlands (cortometraje)
1940: It's Up to You (documental)
1945: A Tree Grows in Brooklyn
1946: The Sea of Grass (Mar de hierba)
1947: Boomerang (El justiciero)
1947: Gentleman's Agreement (La barrera invisible)
1949: Pinky
1950: Panic in the Streets (Pánico en las calles)
1951: Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire)
1952: ¡Viva Zapata!
1953: Man on a Tightrope (Fugitivos del terror rojo)
1954: On the Waterfront (Nido de ratas / La ley del silencio)
1955: East of Eden (Al este del Edén / Al este del paraíso)
1956: Baby Doll
1957: A Face in the Crowd (Un rostro en la multitud)
1960: Wild River (Río salvaje)
1961: Splendor in the Grass (Esplendor en la hierba)
1963: América, América
1969: The Arrangement (El compromiso)
1972: The Visitors (Los visitantes)
1976: The Last Tycoon (El último magnate)

Premios
Premios Óscar:
AñoCategoríaPelículaResultado
1947Mejor directorLa barrera invisibleGanador
1951Mejor directorUn tranvía llamado deseoCandidato
1955Mejor directorOn the WaterfrontGanador
1956Mejor directorEast of EdenCandidato
1963Mejor directorAmérica, AméricaCandidato
Mejor películaAmérica, AméricaCandidato
Mejor guion adaptadoAmérica, AméricaCandidato
1998Óscar honoríficoGanador